miércoles, 28 de abril de 2010



Poema Poemas De Amor (ii) de Darío Jaramillo Agudelo



Podría perfectamente suprimirte de mi vida,
no contestar tus llamadas, no abrirte la puerta de la casa,
no pensarte, no desearte,
no buscarte en ningun lugar común y no volver a verte,
circular por calles por donde sé que no pasas,
eliminar de mi memoria cada instante que hemos compartido,
cada recuerdo de tu recuerdo,
olvidar tu cara hasta ser capaz de no reconocerte,
responder con evasivas cuando me pregunten por tí
y hacer como si no hubieras existido nunca.
Pero te amo.

lunes, 26 de abril de 2010

A SOLAS Ismael Enrique Arciniegas
















Poema Poemas De Amor (ii) de Darío Jaramillo Agudelo



Podría perfectamente suprimirte de mi vida,
no contestar tus llamadas, no abrirte la puerta de la casa,
no pensarte, no desearte,
no buscarte en ningun lugar común y no volver a verte,
circular por calles por donde sé que no pasas,
eliminar de mi memoria cada instante que hemos compartido,
cada recuerdo de tu recuerdo,
olvidar tu cara hasta ser capaz de no reconocerte,
responder con evasivas cuando me pregunten por tí
y hacer como si no hubieras existido nunca.
Pero te amo.



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¿Quieres que hablemos? Está bien empieza:
Habla a mi corazón como otros días...
¡Pero no!... ¿qué dirías?
¿Qué podrías decir a mi tristeza?

...No intentes disculparte: ¡todo es vano!
Ya murieron las rosas en el huerto;
el campo verde lo secó el verano,
y mi fe en ti, como mi amor, ha muerto.

Amor arrepentido,
ave que quiere regresar al nido
al través de la escarcha y las neblinas;
amor que vienes aterido y yerto,
¡donde fuiste feliz... ¡ya todo ha muerto!
No vuelvas... ¡Todo lo hallarás en ruinas!

¿A qué has venido? ¿Para qué volviste?
¿Qué buscas?... Nadie habrá de responderte!
Está sola mi alma, y estoy triste,
inmensamente triste hasta la muerte.

Todas las ilusiones que te amaron,
las que quisieron compartir tu suerte,
mucho tiempo en la sombra te esperaron,
y se fueron... cansadas de no verte.

Cuando por vez primera
en mi camino te encontré, reía
en los campos la alegre primavera...
todo era luz, aromas y armonía.

Hoy todo cuán distinto... Paso a paso
y solo voy por la desierta vía.
—Nave sin rumbo entre revueltas olas-
pensando en la tristeza del ocaso,
y en las tristezas de las almas solas.

En torno la mirada no columbra
sino esperanzas y páramos sombríos;
los nidos en la nieve están vacíos,
y la estrella que amamos ya no alumbra
el azul de tus sueños y lso míos.

Partiste para ignota lontananza
cuando empezaba a descender la sombra.
...¿Recuerdas? Te llamaba mi esperanza,
¡pero ya mi esperanza no te nombra!

¡No ha de nombrarte!...¿para qué?... Vacía
está el ara, y la historia yace trunca.
¡Ya para que esperar que irradie el día!
¡Ya para que decirnos: Todavía,
Si una voz grita en nuestras almas: ¡Nunca!

miércoles, 24 de marzo de 2010

LA VIDA ES SUEÑO. RUSIA



La Obra
La Vida es Sueño
Escrita por Pedro Calderón de la Barca, La Vida es Sueño es una de las grandes obras teatrales del siglo de oro español y ha sido representada a lo largo de cientos de años en multitud de versiones adaptada a múltiples lenguas.

La obra relata la historia de Basilio, un rey místico, que encierra a su hijo Segismundo luego de que un oráculo le predice que, de permitirle ocupar el trono, se comportará cruelmente. Después de un tiempo, Basilio decide dormir a Segismundo y llevarlo al trono para ver cómo se comporta en el poder durante el sueño: Segismundo asume la libertad con máximo desafuero, sin medir sus consecuencias y termina asesinando a un criado que intenta impedir que abuse de una princesa.

Sus acciones irremediablemente lo regresan a su antiguo encierro, donde reflexiona sobre la ilusión que genera el poder y la necesidad de obrar bien, incluso en los sueños. Una sublevación popular le devuelve el poder y pide perdón a su pueblo.

La obra es representada en lengua tártara gracias a la traducción hecha por el poeta Rkail Shagir. Los reconocidos personajes de Basilio, Clotaldo y Clarín son interpretados por tres actores de más de setenta años, herederos de la escuela rusa de actuación, y hacen de esta historia tan conocida un montaje único y memorable.

La arriesgada puesta en escena de duelos acrobáticos e histriónicos creados por un maestro de esgrima le dan un tinte particular a este montaje, cuya escenografía es una inmensa concha de metal (de dos metros y medio de altura y con once secciones que se abren y se cierran de manera modular). Del mismo modo, la música de un violín y un bayan (acordeón tradicional de la región soviética) le da un tono sugerente, vivaz y melancólico a la obra.

CRIMEN Y CASTIGO. Eslovenia.



La Obra
Crimen y Castigo
Esta novela ha tocado de manera honda la sensibilidad de artistas, dramaturgos y directores de teatro. Ahora, el director Diego de Brea (que se considera un hijo espiritual de Dostoyevski) crea esta versión del drama íntimo de Raskolnikov, tras una exhaustiva investigación del universo literario del autor, y pone en ella sus más profundos amores, miedos y anhelos.

Crimen y castigo es una obra de muerte y resurrección, del crimen como idea, del castigo, del perdón y de la sanación como resultado de la aceptación del error: “El castigo es aceptar el sufrimiento y purificarse a través de él”. Esta representación, inspirada en la adaptación al cine que Luchino Visconti hizo de la novela en La caída de los dioses, explora los estados emocionales asociados al poder, el miedo, la huída, el abandono, la ausencia de un padre, la conciencia del bien y del mal, y el desafío a la vida que lleva a los personajes a un laberinto sin salida y al sufrimiento a través del sentimiento de culpa.

La obra tiene un tono metafísico y el director hace uso de metáforas visuales y de objetos simbólicos, como un típico samovar ruso que humea de manera siniestra mientras el protagonista intenta lavarse las manos ensangrentadas, o el uso del hacha para partir del pan. De Brea utiliza magistralmente la comicidad en algunos personajes sin banalizar el drama de la escena.dioses

Un montaje atrevido, apasionado, crudo, que impacta al espectador.

LA ODISEA. Teatro de los Andes.

La Obra
La Odisea
Para enfrentar La odisea, esta compañía sigue el ejemplo de Penélope: teje hilos diferentes para crear la trama.

Varios hilos provienen de Homero: el viaje, la ausencia, la pasión amorosa, la lucha, el naufragio, la familla, la búsqueda del padre, el sueño, la perdida de los hijos, la búsqueda de la identidad, la venganza, la guerra civil.

Los segundos provienen de la búsqueda: Ulises es también el emigrante, los monstruos que encuentra son los monstruos con que se topan aquellos que parten en busca de un destino mejor.

Los terceros se relacionan con lo que significa hoy, para el Teatro de los Andes, emigrar, volver, esperar, viajar, buscar. Los últimos se relacionan con Bolivia: un país que cambia en modo dramático, un país atravesado por fortísimas tensiones, renacidas esperanzas y cambios radicales.

lunes, 22 de marzo de 2010




Metamorfosis
En el relato de Kafka, Gregorio Samsa se despierta una mañana convertido en un enorme insecto. Ahora, en el escenario, podemos ver esta transformación de manera viva, cruda y teatral gracias a la actuación magnífica de Gísli Örn Gardarsson, quien con sus artes de actor, mimo y gimnasta logra comunicar al espectador la extrañeza y el absurdo de ser una horrorosa criatura.

La escenografía, insólita y refinada, nos permite ver al mismo tiempo los dos mundos en que ahora vive la familia Samsa: en el primer piso habitan el padre, la madre y Greta, la otra hija de la familia; en el segundo vive Gregorio, y esta habitación es vista por el espectador desde arriba, como desde un ángulo cenital, por lo cual los muebles y demás penden de la pared y la gravedad está trastocada para expresar de manera muy clara y contundente el punto de vista de un insecto y la condición desdichada de Gregorio, que ahora se relaciona con el mundo que lo rodea de una manera inusual.

En este doble escenario y con una extraordinaria capacidad gimnasta y una actuación gestual propias del arte de los mimos, los actores logran hacer sentir al espectador la tragedia que se vive en la casa de la familia Samsa cuando la vida cotidiana choca de frente con el absurdo.

El cuarto de Gregor Samsa es diferente al del resto de la familia. Dentro de él, incluido el pobre Gregor, todo ha girado 90 grados.

Mientras en el primer piso se vive la normalidad de una familia, Gregor está arriba, sentado en una silla que reposa sobre la que es, en realidad, una pared.

“Esa es la metáfora visual clave de la obra”, dice David Farr, codirector de Metamorfosis, la obra que trae Islandia al Iberoamericano. Para mostrar la extrañeza, la transformación de Gregor en un “monstruoso insecto”, como lo llamó Kafka en el primer párrafo de su novela corta, decidió junto a Gísli Örn Gardarsson, actor protagónico y codirector de la pieza, que él estuviera siempre, durante la hora de duración del montaje, en una posición prácticamente imposible y vestido como un trabajador: de saco y corbata.

Gregor, quien es el sustento de la familia, no entiende lo que ha pasado, todo le parece normal. Su familia, en cambio, está horrorizada. Gregor se convierte en un secreto que hay que guardar.

EL TIEMPO habló con los directores de esta pieza.

¿Cuáles fueron los retos de montar ‘La metamorfosis’? David Farr (DF): Tomamos una decisión fuerte, no tener un vestuario literal de insecto porque el libro tiene mucho que ver con gente que trabaja duro y que quiere encajar en la sociedad. Escogimos un vestido para el trabajo.

Gísli Örn Gardarsson (GOG): Todo el mundo esperaba que la montáramos como un libro. La primera pregunta que nos hacían era qué clase de vestuario iba a tener el insecto. El reto era encontrar el significado real de una historia que contiene metáforas alrededor de muchas cosas. Eso es lo agradable de interpretarla en diferentes continentes. Todo el mundo se relaciona con ella porque hay secretos en cada familia.

Las críticas resaltan su actuación como Gregor. ¿Cómo se preparó? GOG: Tuve que escalar muchas montañas en Islandia, mi país de origen, porque actúo en la pared todo el tiempo. Esa es la metáfora teatral que escogimos para mostrar que hay algo extraño. La familia lo ve y se sorprende, pero Gregor no entiende. Todo le parece normal. Durante una hora, estoy al revés.

Es la cosa más dura que he hecho en toda mi vida. ¡Creo que pierdo 10 kilos en cada función! DF: Estuve tratando de hacer esta adaptación durante diez años y no tenía idea de cómo hacerla hasta que conocí a Gísli, que es gimnasta y un actor brillante. Yo quería darle a la historia el mismo ‘feeling’ de Kafka, que la cuenta como algo muy normal, así no lo sea. La metamorfosis no es un libro de horror gótico.

¿Qué tan compleja fue la creación de la escenografía? ¿Cómo hicieron para traerla? GOG: Fue diseñada para viajar. Cuando estrenamos en Inglaterra, sabíamos que la teníamos que llevar a Islandia. Sin embargo, es una escenografía grande y pesada. Tratamos de hacerla muy amigable, para ser transportada en barco –se arma como un Lego–, pero al mismo tiempo tenía que ser muy sólida porque mi vida depende de ella. Estoy a 7 m de altura y no hay cables o trucos en la escena.

¿Con ese esfuerzo físico, qué ocurre en su mente? GOG: Cuerpo y mente se sostienen, trabajan juntos, porque el dolor es real.

Cuando Gregor está asustado, acurrucado, arriba, en una esquina, eso sirve físicamente para traer lo emocional. Creo que así es más sencillo que con un drama normal










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